アーティスト・イン・レジデンス プログラム2025「CAMP」
Artist in Residence Program 2025 “CAMP”
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国際芸術センター青森(ACAC)では、開館からほぼ毎年公募によるアーティスト・イン・レジデンス(AIR)プログラムを行っています。本公募では、アーティスト、キュレーター、リサーチャー等の広く文化芸術活動を行う方を対象とし滞在制作活動の機会を提供します。リサーチや制作、各種イベントの実施から成果発表までACAC学芸員や技術員をはじめとするスタッフがサポートします。また、ウェブサイトやカタログ等を通じてその活動を広く公開します。滞在制作の成果は、作品展示、パフォーマンス、ワークショップ、リサーチ過程の公開、プレゼンテーション等、形式を問わず今回の成果発表の場で発表していただきます。
滞在期間は、2025年10月11日から12月1日の51泊52日をコア期間として、その期間は原則ACACに滞在をしてもらいます。希望する場合は2025年9月15日から12月15日までの最長91泊92日の滞在が可能です。なお、希望する活動内容と期間が合致していることが推奨されます。
ACACの施設改修工事に伴い、2025年度はACACの展示棟ではなく、青森駅に直結するJR青森駅東口ビル内の協同組合タッケン美術展示館(以下「美術展示館」)を成果発表の場所とします。ACACの創作棟と宿泊棟は今年も滞在制作・宿泊場所として使用することが可能です。八甲田山の自然に囲まれたACACの展示棟は馬蹄型で高さ6メートルに及ぶ巨大な空間を持ち、これまでの滞在者の創作活動に少なくない影響を与えてきました。しかし、中心街から離れた場所にあるため、多くの市民にとってアクセスが容易な立地とは言えません。2025年度に利用する美術展示館は多数の商業施設を有するビルの4階に位置し、その窓からは市街地が見渡せます。建物の特性上、ACACの展示棟を利用していたときと比べ、多くのことに対して制約があり、さまざまな工夫を行う必要があります。しかし、そこから生まれる新たなコミュニケーションも2025年度ならではのACACのAIRのあり方と捉えています。
AIRプログラムでは毎年異なるプログラムのタイトルを掲げていますが、その名称はAIR参加者の活動内容を規定するテーマではなく、あくまでも期間中の活動を構想するうえでのひとつの手がかりと捉えてください。2025年度はACACにとって、施設を今後も活用していくために修復とケアを行うメンテナンス期間となります。プログラム名称「CAMP」は、一時的な居住のための場所や技術の訓練などを行うこと、特定の感性や信念を共有する集団、また歴史的にさまざまなマイノリティグループ間で共有されてきた反体制的な美学的感覚をも表す言葉です。表現者が集い滞在する場であることや、都会的な快適さから隔離され自らの表現と向き合うことになるACACの場所性を表すとともに、「CAMP」は非常事態や例外を生き延びていく術でもあるでしょう。
また2025年度は、ACACがアーティスト等を招へいする指名型AIRのイベント、海外の連携AIR団体からの推薦により招へいする表現者のAIRも同じ「CAMP」という枠組みの元で実施します。例年の公募型AIRと比べると状況が異なりますが、そうした中だからこそできることを考え、新たな視座を見出せるような活動を期待します。
*詳しくは公募情報をご確認ください。
公募期間:2025年2月17日(月)-4月13日(日)
プログラム期間:2025年9月15日(月)-12月15日(月)
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池田 佳穂IKEDA Kaho
インディペンデント・キュレーター。2016年より東南アジアを中心に、土着文化や社会情勢から発展したコレクティブとDIYカルチャーを調査。展覧会、パフォー ミングアーツ、教育プログラムなどを複合した横断的なキュレーションに関心をもつ。森美術館でアシスタントとして経験を積み、2023年春に独立。山中suplexの共同プログラムディレクター、アートセンターBUGおよび「神戸六甲ミーツ・アート2024 beyond」のゲストキュレーターを務める。近年の展覧会やラーニング事業の主な企画実績として、「バグスクール2024:野性の都市」(BUG、2024年)、「みんなで土をラーンする!」(山中suplex、2024年)、「一人で行くか早く辿り着くか遠くを目指すかみんな全滅するか」(山中suplex、2024年)などがある。
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アティッタヤポーン・センポーAtittayaporn SAENPO
1999年生まれ、タイ・ロイエット県出身。イサーン地域(タイ東北部)を中心とした社会構造を考察する作品を制作する現代アーティスト。風刺的なアプローチを通じて、社会の規範を問い直し、「当たり前」とされ見過ごされがちな問題を浮き彫りする。また、地域のコミュニティと深く関わり合うことを通じ、生活の現実と複雑さを作品に反映させながら、日常への視点を物語を誘発する思索へと変換する。これらの探求は、マルチメディア・インスタレーション、ビデオアート、パフォーマンス、ニューメディアアート、彫刻、写真など、さまざまな形式で表現される。
彼女はまた、タイ・コンケン県のKULTX Collaborative Spaceでアーティストメンバーおよびアシスタントとして活動している。彼女の作品は、「Young Artist 2021」、「Gold Rush Go Northeast」(KULTX Collaborative Space、2022年)、「SOE We Trade Everything 2023: The Serendipity」、「Kenduri Seni Patani 2024: Grassy Diary」、「Art On Farm 2024: Khakis in the Khampom City and Beyond」など、数多くの展覧会で展示された。
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アディ・スンドロAdi SUNDORO
1992年ジャカルタ生まれ。ジャカルタ州立大学およびバンドン工科大学で美術教育を学び、修士課程を修了。版画制作に取り組み、多様な印刷技法を組み合わせることで、伝統の枠にとらわれない独自の表現を追求している。日々の些細な出来事から社会的・政治的な問題まで、身近な現象にまなざしを向ける表現手段として、版画の特性を活かした創作を行っている。
主な受賞歴としては、2016年フランスの「第1回インターナショナル・キッチン・リソグラフィー・コンテスト」にてパブリック・プライズ賞、2022年には「UOB ペインティング・オブ・ザ・イヤー2022」エスタブリッシュド・アーティスト部門で銅賞を受賞など。2019年にはジョグジャカルタのKKFにて初個展「Bualan Ikan: Narasi-narasi yang Terseret Arus」を開催。2025年には、ミュージアム・マチャン(MACAN)による子ども向けアートスペースのプロジェクト「GORENGAN Bureau(Good, Organized, Responsive, Engaged Neighborhood Citizen Bureau)」に起用された。
2014年より版画スタジオを拠点とするコレクティブ「グラフィス・フル・ハラ」のメンバーとして活動し、版画の探求・実験・教育に注力している。現在はジャカルタを拠点に、ビジュアルアーティスト、クリエイティブディレクター、講師として活躍している。 -
丹治 りえTANJI Rie
1983年福島県生まれ、沖縄県在住。2009年沖縄県立芸術大学大学院造形芸術研究科環境造形専攻彫刻修士課程修了。建造物の中の日常空間をモチーフに、建築資材や日用品など身近にある素材をアッサンブラージュし、仮設的な構造物を制作して、人間とモノまたは人間と環境の関係性を探っている。同時に社会的な力学によって生まれる構造とともにその影で見過ごされてしまう個人的な出来事に関心を寄せ、モノや場に対する人間の感覚を揺さぶる作品を展開することを試みている。
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前谷 開MAETANI Kai
1988年愛媛県生まれ、神奈川県在住。2013年、京都造形芸術大学(現・京都芸術大学)大学院芸術研究科表現専攻 修士課程修了。自身の行為を変換し、確認するための方法として、主に写真を用いた作品制作を行う。訪れる場所や、そこで起こる状況、関係性のなかに自分がどのように立つことができるのかを考え、実践し、その状況を記録して作品化する。制作活動の出発点であるセルフポートレイトを発展させながら、自身の立ち方と、それを風景として見つめるもうひとつの視点を行き来し、“自らの位置”について思索するための装置としてカメラを扱う。共同スタジオ「山中suplex」、アーティストグループ「木曽路」、「ARCHIVES PAY」に所属し、共同制作や記録撮影などを行う。
Since its opening, Aomori Contemporary Art Centre (ACAC) has conducted an Artist in Residence (AIR) program via open call nearly every year. This year’s open call AIR is intended to provide people involved in a wide range of cultural and artistic pursuits – including artists, curators, and researchers – with an opportunity to engage in creative activities while residing at ACAC. Residents will conduct research, create artwork, hold various events, and eventually present their results, all while receiving continuous support from ACAC’s curators, technicians, and staff. The activities of the residents will also be made available to the public through our website and program catalogs. The results – which may consist of artwork exhibitions, performances, workshops, presentations of research or production processes, or other formats – will be presented at this year’s presentation venue.
The residence period consists of a core period lasting for 52 days (51 nights) from October 11 to December 1, 2025, during which the participants will, in principle, reside at ACAC. If desired, participants may reside at ACAC for a maximum of 92 days (91 nights) from September 15 to December 15, 2025. Please select a residence period appropriate for your desired activities.
Due to scheduled renovation work at ACAC, the venue for the 2025 Results Presentation has been moved from our Exhibition Hall to the Aomori Citizens’ Art Gallery inside the JR Aomori Station East Exit Building, although participants will still be able to use the Creative Hall and Residence Hall during this year’s program. ACAC’s Exhibition Hall – an enormous, 6-meter-high horseshoe-shaped space surrounded by the natural environment of the Hakkoda Mountains – has always had a considerable influence on the creations produced by past residents. However, since the facility is located far from the heart of Aomori City, it is not easily accessible for many citizens. The art gallery which will be used as this year’s venue is on the 4th floor of a building occupied by a large number of retail establishments, with windows looking out over the city center. The artists will be forced to find ways to work around the constraints imposed by the architectural differences between the Exhibition Hall and the art gallery. But we consider the new forms of communication that will emerge from such challenges to be another unique aspect of this year’s program.
Each year, the AIR program is given a different title, but these titles are not themes intended to prescribe the contents of the participants’ activities. Rather, you should think of the program title as just one clue when conceptualizing the activities you plan to engage in during the residency. For ACAC, 2025 will be a period of maintenance, a period of restoration and care meant to ensure the continued use of the facilities in the future. This year’s title, “CAMP,” is an English word which carries several meanings: a temporary place of shelter; a place for conducting training in specific skills; a group sharing a given sensibility or doctrine; and the name of a subversive aesthetic style historically shared by various minority groups. “CAMP” represents the nature of ACAC as a place for artists to gather, stay, and confront their own expression while isolated from the comforts of city life; at the same time, it is also a means for surviving states of emergency and exception.
In 2025, this same “CAMP” concept will also act as the framework for nomination-type AIR events, as well as for an additional AIR by an artist to be recommended by our international AIR partners. This year’s open-call AIR will be very different from past years, but we hope you can develop activities that take advantage of these unique circumstances and help you discover new perspectives.
* Please see the Application Guideline for details.
Application period: February 17 (Mon) – April 13 (Sun), 2025
Program period: September 15 (Mon) – December 15 (Mon), 2025
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IKEDA Kaho
Independent curator. Since 2016, she has been researching collective and DIY cultures that have developed out of indigenous cultures and social conditions, with a focus on Southeast Asia. She has an interest in interdisciplinary curation that combines forms such as exhibitions, performing arts, and educational programs. After gaining experience as a curatorial assistant at Mori Art Museum, she began working independently in 2023. She is also a program co-director of the shared studio Yamanaka Suplex, and a guest curator at the Art Center BUG and the “Rokko Meets Art 2024 beyond” art festival. Recent major exhibitions and learning projects planned by Ikeda include: “BUG School 2024: Feeling Cities with Wild Sense” (BUG, 2024); “Learning Soil Together!” (Yamanaka Suplex, 2024); and “Go Alone? Arrive Faster? Aim Further? Die Together?” (Yamanaka Suplex, 2024).
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Atittayaporn SAENPO
Born in 1999 in Roi Et, Thailand. She is a contemporary artist whose practice explores the structural systems of society, particularly in Isan (Northeast regions of Thailand). With a focus on satirical art, her work interrogates social norms and highlights issues open overlooked or deemed “normal.” By immersing themselves in local communities, she creates art that reflects the realities and complexities of daily life in these areas, transforming everyday observations into thought provoking narratives.These explorations manifest across various forms such as multimedia installations, Video art, Performance, New media art, Sculpture, and Photos.
She is currently an artist member and assistant at KULTX Collaborative Space in Khon Kaen Province,Thailand. Her body of work has been displayed in numerous exhibitions, including Young Artist 2021, Gold Rush Go Northeast at KULTX Collaborative Space (2022), SOE We Trade Everything 2023: The Serendipity, Kenduri Seni Patani 2024: Grassy Diary, and Art On Farm 2024: Khakis in the Khampom City and Beyond.
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Adi SUNDORO
Born in Jakarta in 1992. Adi Sundoro (Asun) completed his Fine Arts Education studies at Jakarta State University (UNJ) and Bandung Institute of Technology (ITB) at the master’s degree. His passion for printmaking has resulted in a combination of various printing techniques that are often presented in unconventional format or even expanded. In his works, Asun often utilizes the principles of printmaking as an expression in seeing the daily phenomena around him, ranging from daily trivial issues to social politics. Some of his works have received awards such as the Public Prize Award at “The 1st International Kitchen Litho Contest 2016” in France and Bronze Winner at the UOB Painting of the Year 2022 in the Established Artist category. His first solo exhibition titled “Bualan Ikan: Narasi-narasi yang Terseret Arus” was held at KKF Yogyakarta in 2019. In 2025, Asun was commissioned by Museum of Modern and Contemporary Art in Nusantara (MACAN) for the Children’s Art Space; GORENGAN Bureau (Good, Organized, Responsive, Engaged Neighborhood Citizen Bureau).
Since 2014 Asun has been actively involved in Grafis Huru Hara, a printmaking studio-based collective that focuses on the exploration, experimentation and education of printmaking. Asun lives and works in Jakarta, as a visual artist, creative director and lecturer. -
TANJI Rie
Born in Fukushima Prefecture in 1983, Tanji now resides in Okinawa Prefecture. In 2009, she received an MA in Sculpture from the Environmental Design Major of the Graduate School of Formative Arts at Okinawa Prefectural University of Arts. Using the everyday spaces within buildings as a motif, she uses found objects such as construction materials and household items to create assemblage pieces which serve as temporary structures examining the relationships between people and things, or between people and the environment. At the same time, she is concerned with the structures born out of social dynamics and the personal events that such structures obscure, creating works which attempt to shake up people’s perceptions of objects and sense of place.
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MAETANI Kai
Born in Ehime Prefecture in 1988, Maetani now resides in Kanagawa Prefecture. In 2013, he received an MA in Fine Art from the Kyoto University of the Arts. He works primarily with photography, which he uses as a means to transform and affirm his own behaviors. He thinks about how he can relate to the places he visits and the situations that arise there, then puts those ideas into practice and creates artworks that document the outcomes. Starting from self-portraits, he then develops his creations using the camera to contemplate his “own position,” moving back and forth between his own standpoint and another which views him as part of the landscape. Maetani also engages in artistic collaborations and archival photography as a member of the shared studio “Yamanaka Suplex,” as well as the artist groups “Kisoji” and “ARCHIVES PAY.”