AIR2022 審査所感:鈴木 ヒラク
My impressions (Hiraku Suzuki)

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移動は人間の本能である。人類史において、狩猟採集をしていた移動民は、急に農耕と牧畜を覚えて定住民となったわけではない。そこには非常に長い時間と、葛藤を要したとされる。未知なる獲物を求めてその日暮らしをしている部族が、急にステイホームと言われても、そうそう切り替えられないというわけだ。人類学者のユリウス・リップスは、この移動民と定住民との隔たりを接続する項として、「収穫民」という概念を提起した。収穫民は食料を保存する技術を持ち、仮に定住のスタイルを築きつつも、動くときは動く。むしろ蓄えがある分、遠くまで動ける。いわばオールラウンドプレイヤーなのである。

多くの表現者にとって、ここではない場所へのフィジカルな移動は重要な創造的契機を与えてくれる。新たな場や人との出会いを通じて、人は自らの構成要素の解体と再編成を経験する。それはまるで、撚りあわされた一本の糸が複数にほどけて、別の糸と絡み合いながら、また一本の糸が紡がれていくようなことだ。特にレジデンスに応募するような作家にとっては、このことほどのインスピレーションは他にないだろう。僕が海外で暮らしていたとき、レジデンスを渡り歩く、移動民のようなアーティストたちに何度も出会った。石器時代の狩猟採集の能力は、アプリケーションとポートフォリオの作成能力、そして隣人へのナイスな振る舞いへと進化することもあるのかもしれない。しかし一方で、何かが「積み重なっていかない」とか「掘り下げていけない」ことへのストレスを感じている人たちもいた。移動が前提となれば、物理的に重いものは作れないし、何年もかけて1枚の絵を描くなんてもっての他である。

さて、この度のウィルスによるパンデミックによって、社会制度としての移動の制限を受けたアーティストたちは、やはり急に定住民とはならなかった。果たして、彼/彼女らが収穫民となったのかは分からない。しかし長いステイホームの時間は、アーティストにとって、空間ではなく時間的な移動、つまりある場所で何かを積み重ねることや掘り下げるということを等しく可能にしたはずだ。もちろん、そこには「リモート」という新たな飛び道具の発明と普及も、さまざまな形で大きな影響をもたらしている。

ともあれ、世界的に状況がある程度落ち着いた現在、いちど収穫民のスタイルを覚えたアーティストたちも、また移動を始めようとしている。今回、ACACのレジデンスアーティストの応募資料には、かつてとは微妙に異なるニュアンスの、移動の喜びの気配といったものが存在していたように思う。世界中から集まった表現者たちの、各地でのレジデンスでの展示・パフォーマンス風景や、滞在制作プランという名の想像上の旅の計画を見ながら、自分自身も久しぶりに旅をしているような感覚を覚えた。
ウィルスは消え去ったわけでは当然ないし、また新たな戦争が影を落としているが、そのような状況において滞在制作という概念も次のフェイズに来ているのだろう。また、「隔たり」と「接続」とが単純な対語ではなく、同時に成り立つ世界の中で、リモート・レジデンスという新たな方法論の模索も進んでいる。

集まった作風、メディウム、計画は多種多様で、傾向を分析することは難しい。レベルの高い作家が非常に多く、選考に漏れた中にも素晴らしいプランがあった。自分が設けた選考基準は主に4つで、1.創造性、2.プランの具体性(実現可能性)、3. 期待値、4. ACACの環境との適性(ここに来ることの必然性)である。
特に4は重要視した。ACACの建築や周囲の森の魅力はもちろんであるが、青森という場には時間のレイヤーが存在している。縄文時代や石器時代、むしろ人間が誕生するずっと前からの時間の層が現代に露出していて、それに触れることができる特別な場なのである。

アーティストたちが、この場所に流れる時間とそこに集うさまざまな人、そして人間以外の世界と関わりながら、どのように自らを開いて、新たな糸を紡いでいくのか。どのようなMaking Thingsが成されていくのか、楽しみである。

  • 鈴木 ヒラク
    Hiraku Suzuki

    アーティスト。 1978年宮城県生まれ。絵と言語、あるいは「描く」と「書く」の境界をテーマに、平面・
    彫刻・映像・写真・パフォーマンスなど様々な手法でドローイングの領域を拡張し続けている。シドニー、サンパウロ、ロンドン、ニューヨーク、ベルリンなど各地で滞在制作の経験があり、現在は東京藝術大学大学院美術研究科グローバルアートプラクティス専攻で准教授を務める。主な個展に、 「 Excavating Reflections」 Galerie Chantiers Boîte Noire、フランス、 2019年)、「かなたの記 号」( ACAC、 2015年)、主なグループ展に「 MOTアニュアル 2019 Echo after Echo 仮の声、新しい影」(東京都現代美術館、 2019年)など。

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Mobility is human instinct. In human history, nomad hunter-gatherers did not settle down just because they learned farming and cattle-breeding all of a sudden. It is assumed that the change required a tremendously long time and conflict. Tribal people who lived from hand to mouth looking for unknown game cannot switch their lifestyle only because they are told to stay home. Anthropologist Julius Lips introduced the concept of “harvesting people (Feldbeuter)” that links the gap between the nomad and the settled people. The harvesters attained the technology to store food and while they develop the lifestyle of settlement, they move when they need to. They can actually move further away because they have a stock. They are all-round players so to speak.

For many artists, actual travel to somewhere else gives them an important and creative inspirations. Encountering new places and people, we experience decomposition of our own contextures and their reorganization. It is like a twisted yarn coming apart and while it is entangled with other yarn, a thread is spun again. Especially for artists who apply for a residence program, there should be no bigger inspiration. When I lived abroad, I often met artists who were like nomads moving from one residency to another. The ability of hunting and gathering in the Stone Age might evolve to the ability to create application and portfolio as well as being nice to one’s neighbor. On the other hand, there were people who were stressed out because something “did not build up” or “was not dug deep enough.” When moving somewhere else is presupposed, one will not make something heavy and working on one painting for years is out of the question.

Due to the COVID-19 pandemic, mobility of artists in the social system was restricted, but as we can guess, they did not settle down right away. I do not know if they became harvesters instead. The long stay-home hours, however, made it equally possible for them to move around in time (not in space), that is, building up something or digging deep down. Of course a discovery and spread of a new firearm called “remote work” exerted a great influence in various forms.

Anyway, as the situation settles down to a certain extent worldwide, those artists who have learned the style of harvesters are beginning to move again. In the application materials of residence artists-to-be at ACAC this time, I found a sense of joy for being able to travel with a subtle difference in nuance compared with before. While I looked at the pictures of exhibitions and performances at various residences by the artists from all around the world and their imaginary trip plans called residency and production plans, I felt as if I was taking a trip after a long time. Of course the virus has not gone away and there is another shadow of a new war, and it seems that a concept of the residency production in such a circumstance has come to the next phase. Being distant and getting connected do not make a simple pair of words. In the world where they can be valid at the same time, a new methodology called “remote residence” is being tried.

Their collective creative styles, media and plans are all very diverse and it is difficult to summarize the trend. There are many high-level artists and I found wonderful plans in those that did not pass the screening. The selection criteria that I have set have the following four elements: 1) creativity, 2) concreteness of the plan (feasibility in reality), 3) expectation value, 4) compatibility with the ACAC environment (necessity for visiting here).
I especially valued the fourth criterion. The architecture at ACAC and the surrounding forest are of course fascinating, but there are layers of time in the place called Aomori. The layers of time from the Jomon Era, the Stone Age and even the long prehistoric period are being exposed in the contemporary times and Aomori is the special place where we can get in touch with them.

How would they open themselves up and weave new yarn while getting involved with the time flowing in this place, people who gather there and the world outside of humans? I am interested in how they will be “making things.”

  • Hiraku Suzuki

    Artist. Born in 1978 in Miyagi Prefecture. With a focus on the theme of boundaries between pictures and language, as well as “drawing” and “writing”, Suzuki has been expanding his field of drawing through a variety of media including two-dimensional works, sculptures, videos, photographs, and performances. He has been to many cities overseas, including Sydney, Sao Paulo, London, New York, and Berlin as an artist-in-residence, and currently works as an associate professor at Tokyo University of the Arts, Graduate School of Fine Arts, Global Art Practice. Suzuki’s main solo exhibitions include, “Excavating Reflections” (Galerie Chantiers Boîte Noire, France, 2019) and “Signs of Faraway” (ACAC, 2015). His major group exhibitions include “MOT Annual 2019 Echo after Echo: Summoned Voices, New Shadows” (Museum of Contemporary Art Tokyo, 2019) and many others.

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