AIR2022 総評:鈴木ヒラク「弦楽器としてのレジデンス」
Artist in Residens Program 2022 General review | The Residence as a String Quintet - Hiraku Suzuki
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弦楽器としてのレジデンス
鈴木ヒラク
本プログラム「Making Tings」は、つまり「ものを作る」こと。そのままである。ただこのタイトルを着想したきっかけは、もともと「thing=もの」の語源が様々な線の集いのことで、人々が問題を解決するために集う場所も意味していたという、人類学者ティム・インゴルドの言説だった。学芸員の慶野さんと共に、この「Making Tings」というテーマが、ポストパンデミックと呼ばれる時代のレジデンスプログラムに相応しいと直感した。この直感は、ACACという場に5名のアーティストによるフィジカル/オンラインの線が集うことで、具体的に形を成した。展覧会という形式においても、それぞれの作品が独立しながら、線というキーワードを軸にして読み解きながら回遊することで、作品相互の関係性が5本の弦楽器の演奏のように空間全体に響いていくように感じられたのである。
まず空間と呼応しながら線を吊るす、織る、ほどく、割く、などの行為によって構成されたヴァネッサ・エンリケス個展「空(くう)に浴す」は象徴的だった。線の素材となったVHSテープは空間性のみならず、複数の時間性をはらんでいる。そこに磁気によって記録された過去の時間、そして今目の前で風を受けてゆらぐ時間。空間ドローイング《ゆらぎ-算額》における二つの線の巨大な連なりは非常に繊細にゆらいでおり、その間のヴォイドとしての通路を静かに通り抜けるのは瞑想的な体験だった。それは例えるなら、別の時空につながるトンネルを通り抜ける通過儀礼のようであった。実際に青森で採取した枯葉の虫食い穴(ワームホール)を使用したフォトグラムの新作も、エンリケスが青森で発掘した時空の線の痕跡である。
壮大なエンリケスの展示の奥で、親密さと開かれの繊細なバランスにおいて線を扱っていたのが橋本晶子である。空間に周に配置された鉛筆画とともに、壁と壁をつなぐ細い糸が壁と床に落とす影の線などいくつかの要素が、光の変化や鑑賞者の動きを受け止めていく。それによって、橋本自身の言葉を借りれば「ここと遠くとがささやかに触れ合う」。橋本の作品から、僕はなぜか人類最初の写真集とも呼ばれるウィリアム・ヘンリー・フォックス・タルボットの『自然の鉛筆』を想起した。それは橋本の鉛筆画が写実的であるということ以上に、原始の写真というものが構造的に光と影のドローイングであったことのエコーが、作品空間全体から読み取れたからだろう。
吉田真也もまた、今ここといつかどこかを接続させる線を扱うが、それは二つの不可視の線である。ひとつは六ヶ所村の再処理場でキャニスターに包まれた核廃棄物が発する放射線であり、数万年先の未来へと続いていく線である。もうひとつ、同地で発掘された縄文時代の甕棺に包まれた女性の遺骨という遠い過去と、それを目の前にした今を生きる作家との時間の隔たりとしての線だ。これら二つの遠くて近い死に対する視線が重なることで、点として捉えていた今という時が、不思議な目眩をともなって複数の線に解けていくようだった。
前田耕平の「点る山、麓の座」は、最もフィジカルに環境と関わるプロジェクトであった。八甲田山をモチーフに、火、水、それらを使った料理や足湯のイベントなどを通して、人やエネルギーを集め、皆で見えないものの輪郭を想像する。それは新しい神話を作るような試みでもあり、線の集合する場という意味で、完成することのない「thing」の探求でもあった。山には脈があり、水脈から湧き出る温泉に足をつけて人間が脈打つ血管を温めるように、山と人はラインを通して呼応する。
今回唯一のリモート・レジデンス参加であったネイタン・ディコン=フルタドは、他の4本の弦とは少し違うチューニングとして存在していた。しかしリモートだからこそ、「翻訳、相互作用、協働」そのものを目的とした作品を展開し、全体のコードに今日的な輪郭をもたらしていた。オープン・コレオグラフィという、観客がフィジカルに参加することによって成立する作品構造の外でも、映像が水面に反射するなど環境への浸透が見られた。彼はオンラインミーティングの中で、「ポストパンデミックの世界で、これからもリモートの方法論によってプロジェクトを続けていくのか?」との問いに対して、「ここでもなく、遠くの場所でもない、間の場所(Middle Place)という概念」を展開させていく展望を語った。
情報の洪水の中、そもそも何がリアルなのかという判断基準が加速度的に複数化したり、極端に傾いたりしている今日において、「Making Things」は世界の輪郭を解体・再編しながら、相互に翻訳し、理解する機会となり得る。それは変化しつづける世界と自らとのチューニングとも言えるだろう。弦楽器のボディとしての青森という場所の特別な響きの中に、自分も参加できたことは喜びであった。アーティストと関係者の方々には心から感謝をお伝えしたい。
(アーティスト、ゲスト審査員)
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鈴木 ヒラクHiraku Suzuki
アーティスト。 1978年宮城県生まれ。絵と言語、あるいは「描く」と「書く」の境界をテーマに、平面・
彫刻・映像・写真・パフォーマンスなど様々な手法でドローイングの領域を拡張し続けている。シドニー、サンパウロ、ロンドン、ニューヨーク、ベルリンなど各地で滞在制作の経験があり、現在は東京藝術大学大学院美術研究科グローバルアートプラクティス専攻で准教授を務める。主な個展に、 「 Excavating Reflections」 Galerie Chantiers Boîte Noire、フランス、 2019年)、「かなたの記 号」( ACAC、 2015年)、主なグループ展に「 MOTアニュアル 2019 Echo after Echo 仮の声、新しい影」(東京都現代美術館、 2019年)など。
On one level, the title of this year’s program, Making Things, means just what it says. But the inspiration for this title came from anthropologist Tim INGOLD, who describes a “thing” as a “tying together of…lines”, noting that the word originally meant “a gathering of people, and a place where they would meet to resolve their affairs[1]”. Curator KEINO Yuka and I both felt that this sense of “making things” provided a suitable theme for a residence program in the so-called “post-pandemic” era. Our intuition assumed a concrete form as the “lines” of five artists were brought together – physically or virtually –here at ACAC. The exhibitions themselves, when viewed with the keyword “line” in mind, brought ostensibly distinct works together in a relationship that seemed to resonate throughout the space like a performance of a string quintet.
Vanessa ENRÍQUEZ’s solo exhibition Bathing in Nothingness, in which lines were hung, woven, unraveled and torn in response to the space, was emblematic. Her lines – in the form of VHS tape – contained within them not only spatiality but multiple temporalities as well, as magnetically-recorded pasts fluttered in the breeze before the viewers’ eyes. In her spacial drawing Fluctuations – Sangaku, two huge sets of lines quivered almost imperceptibly; traversing the void between them was a meditative experience, like some rite of passage through a tunnel leading to another time and place. Traces of the lines of time and space that Enríquez herself discovered in Aomori were evident in her newest work, a photogram of dead leaves which she gathered during her residence here – leaves eaten through with literal wormholes.
Down the hall from Enríquez’s majestic display were the works of HASHIMOTO Akiko, whose lines struck a delicate balance between intimacy and openness. Carefully-placed pencil drawings combined with various other elements, such as lines of shadow cast on the walls and floor by fine threads strung throughout the space, catching changes in the light and the viewers’ movements to create, as Hashimoto says, “small contacts between here and somewhere far away.” I was somehow reminded of William Henry Fox TALBOT’s The Pencil of Nature, believed to be the first published photograph collection. Perhaps this was due not only to the realism of Hashimoto’s drawings, but to the exhibition space itself, which echoed the drawing-like quality of such early photographs in its compositions of light and shadow.
YOSHIDA Shinya also connected the here and now with other times and places, but the lines he drew between them were invisible. One line – stretching tens of thousands of years into the future – was the radiation emanating from a canister of nuclear waste at a reprocessing facility in Aomori’s Rokkasho Village. Another was the gap in time between the distant past – represented by the remains of a woman encased in a prehistoric jar-coffin which was excavated in the same village – and the artist looking on in the present. Through these two overlapping views of death, each at once distant and immediate, the present – which I had previously perceived as a point in time – seemed to dissolve into a disorienting proliferation of lines.
MAEDA Kohei’s Lit-up Mountain, Astral Foothills, was the project most physically engaged with ACAC’s surrounding environment. Through cookouts, foot baths, and other events using fire, water, and the Hakkoda Mountains as motifs, his project brought people and energy together to imagine the outlines of the invisible. It was a kind of experiment in mythmaking, and, as a gathering of “lines,” also a quest for a “thing” which has no end. Just as the hot springs that pulse through the mountains gush forth to warm the blood vessels of people as they bathe their feet, mountains and people respond to each other through lines.
Natan DIACON-FURTADO, as the only resident who participated remotely, had a slightly different tuning than the other four strings. But precisely because it was remote, the project was developed with the goals of “translation, interaction, and collaboration,” adding a contour of contemporaneity to the overall chord. Alongside an “open choreography” structure in which attendees became physical participants, his project also managed to penetrate into the environment, as his videos could be seen reflected on nearby water surfaces. During an online meeting, when asked if he would continue, in this post-pandemic world, to pursue his projects using remote methodologies, Diacon-Furtado shared his vision of developing the concept of a “Middle Place”, a place which is neither here nor far away.
With today’s flood of information, where even the criteria for judging what is real are multiplying at an accelerated pace and tending towards extremes, “Making Things” could be a means to translate and understand each other while disassembling and rearranging the contours of the world. This may be how we “tune” ourselves to continuing changes. I was grateful to be able to hear the unique resonances provided by this place called Aomori, the instrument on which our artists played, and wish to express my heartfelt gratitude to them, and to everyone involved in this year’s performance.
1. Tim Ingold, Lines: A brief history (Routledge, 2007), p.5
(Artist, Guest Judge)
[Translator: Ethan SAMES]
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Hiraku Suzuki
Artist. Born in 1978 in Miyagi Prefecture. With a focus on the theme of boundaries between pictures and language, as well as “drawing” and “writing”, Suzuki has been expanding his field of drawing through a variety of media including two-dimensional works, sculptures, videos, photographs, and performances. He has been to many cities overseas, including Sydney, Sao Paulo, London, New York, and Berlin as an artist-in-residence, and currently works as an associate professor at Tokyo University of the Arts, Graduate School of Fine Arts, Global Art Practice. Suzuki’s main solo exhibitions include, “Excavating Reflections” (Galerie Chantiers Boîte Noire, France, 2019) and “Signs of Faraway” (ACAC, 2015). His major group exhibitions include “MOT Annual 2019 Echo after Echo: Summoned Voices, New Shadows” (Museum of Contemporary Art Tokyo, 2019) and many others.